Lens Gallery于2024年10月12日至11月17日期间，呈现双人展“走近走进”（Outside Inside），展出两位艺术家杜蒙和彭晓的作品。

　　杜蒙出生于北京，2008年从中央美术学院设计学院毕业后，前往美国罗切斯特理工大学读玻璃专业，成为了这个专业的第一个中国学生。她说：“玻璃在尺寸和色泽上的灵活性，激发了我的创造力。我在陌生人面前会有些害羞，但通过作品我能和观众交流。

　　彭晓是湖南人，从北京电影学院漫画专业毕业后，开始了他的“北漂”生活。八年前，他和妻子选择搬到北京郊外，过上了在自己的小院儿里种菜的生活。彭晓会用漫画的形式记录自己的日常，妻子、孩子、朋友、两只狗，一些生活中的小意外都可以成为他的连载素材。他也会以油画、版画或者木刻的方式表达自己的一些想法。他说：“我的灵感几乎全部来自日常生活，以及自己熟悉的事物，每天走的路，遇到的人，都是我的创作灵感。”

　　创作“漂流于林间，沉默于山谷”这组作品的时候正好是2022年。我一直很喜欢玻璃瓶这个物品，有时候会在城市里意想不到的角落看到它们被丢弃在那里，感觉它像是一个沉默，隐忍，极力隐藏自己边界的“人”，很符合那时候人们的一些精神状态。

　　因为外出创作和物流不方便，我就把家里喝完的空瓶都攒了下来，想用在作品中。后来在一次测试里，砸碎重烧后的瓶子碎片尽管融在了一起，却依旧能看到之前碎片的边缘痕迹。

　　它不再透明，第一眼看上去并不“漂亮”，不像一般大家印象中的玻璃那样晶莹剔透的样子，但这种很野很原始的机理质感却让我觉得玻璃这个材料更有生命力。

　　我在林间收集石子和枝条，顺着它们的形态再用泥塑造出不同的造型和机理。作品中截断的“画框边”就像是玻璃瓶原本的状态，有边界且拘谨。

　　而砸碎回收，重新烧制的玻璃碎片由此延伸出去，保留着曾经断裂的痕迹，却又相互交缠在一起。就像是土地上任意生长出的植物，此消彼长，不再受到任何制约。

　　2020年疫情在家的时候，我开始关注植物和养植物，我其实也说不太清楚植物跟我作品之间的直接联系，因为这一直随着我的理解在不停变化。我比较喜欢观察植物生长的状态和了解它们的生存策略，比如攀爬型的植物怎么爬，比较有侵略性的种子会怎么传播，没有符合自己适宜生存条件的时候怎么苟活等等。

　　然后想一想，能以什么样的方式把这样的思路和感受带入到自己的作品里。我发现自己也很喜欢等待的过程，结果是什么不重要，甚至有没有结果也无所谓。因为观察自然，了解自然这件事本身就需要足够的耐心，是一种很慢的体验。这跟和玻璃打交道的过程也挺像的。

　　另外，做一件玻璃制品不只是在和玻璃打交道，和光和影都是离不开的。玻璃材料特别梦幻，一打上光，会有色彩斑斓的反光。根据艺术家使用工艺的不同，玻璃其实有很多种气质展现出来。有的艺术家喜欢抛光度很高亮的，有艺术家会把玻璃做成不太像玻璃，比如去模仿石头或者金属的质感...... 根据温度变化，玻璃有非常多可能性。

　　我学了玻璃之后对光和影子非常敏感，逐渐发现玻璃的状态，对光的反馈是不一样的，也会把光考虑到作品当中去。

　　我的创作都是围绕自己的生活。一句话，一个动作，一个选择，这些极微小的事堆累出每一个人不同的生活，而我做的就是把这些生活的细节用绘画的方式表达出来。

　　我很喜欢观察人，人是我很喜欢表达的一个主题，我画的这些人物形象大部分都是生活中真实存在的，但他并不是单一的形象，有时候是多人的重叠，有时候也包括自己。

　　我也喜欢探索人和自然的关系，当人处在中户外环境中，感官联通的是大自然，思考的是天地之间的事。大自然可以无限扩展我的身心，我喜欢这种感受，所以我的很多作品里的人物都是处在自然之中，我希望用绘画保留这种舒畅的身心体验。

　　这次展览的作品都是2019年以后创作的。之前的作品更像一种没有顾虑的天马行空，2019年之后，不论是外部环境还是自己的个人生活都经历了一些变化。

　　我认为这三年的经历，难以消解的部分在创作上体现在了颜色上，脚踏实地的生活则体现在更细腻的笔触。灰色的表达并非消极，我描绘的主题是生活，而生活本身大部分时候就是一些难以界定的“灰色”。

　　《情感与矛盾》，30 x 30cm，布面油画，手工画框，2023-202

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